Le blog du krinomen

Présenté au Glob Théâtre, du 5 au 14 avril 2012

© Skaï

La Compagnie du Soleil Bleu a été créée par Laurent Laffargue à sa sortie du Conservatoire de Bordeaux en 1992. Il en signe toutes les mises en scènes, oscillant constamment entre textes classiques (Molière, Shakespeare) et textes contemporains (Edward Bond, Harold Pinter ou Pauline Sales). La Compagnie sera nommée aux Molières en 2006 dans la catégorie « Molière de la Compagnie ». Pour Skaï, le spectacle aura été crée autour de textes de Sonia Millot (comédienne et auteur travaillant régulièrement pour la compagnie) et Vincent Nadal (auteur et interprète), sans compter les interventions musicales d'Hervé Rigaud (musicien, acteur, chanteur).

Skaï : une matière. L’expression protéiforme des ados sur la toile. Aucun « sujet du monde » ne leur échappe … Un monde secret. Une impudeur sans limite. Paradoxe déroutant, paradoxe permanent. Être c’est être vu et commenté. Qu’importe le prix à payer.

Skaï : Un personnage. Un homme. Quarante ans. Il cherche. Il découvre. Il copie-collectionne. Frénétique. Que regarde-t-il ? Qui regarde-t-il ? Lui ? Les ados ? Le monde ? Vous ?

Skaï verse et renverse dans tous les sens « les images-vidéo-photo, les voix, les mots, la vie, les sentiments des adolescents et des adolescents que nous ne sommes plus. »

Au départ de cette création, il y a la volonté de s'intéresser aux adolescents et à leur vie virtuelle, cette vie que personne n’écoute plus. On se dit que les adolescents sont trop loin de nous, qu’ils n’ont aucune conscience du monde qui les entoure et de toutes ces préoccupations « bassement matérielles » qu’il faut avoir une fois qu’on a dépassé un certain âge. Mais Skaï, justement, montre le contraire. Et si les adolescents avaient précisément une vision intéressante du monde liée à leur approche sensible de ce qui les entoure ? Et si, pour une fois, on leur laissait la parole ? À partir de textes trouvés sur des blogs, d’autres écrits par des collégiens du lycée Pablo Neruda de Bègles et des lycéens du lycée professionnel des Chartrons à Bordeaux (avec lesquels Vincent Nadal et Sonia Millot ont mené un travail sur toute une année avec pour point de départ le mythe d’Orphée et Eurydice), la Compagnie a voulu créer un spectacle qui soit le reflet de cette vie si riche que les adolescents vivent sur internet et peut-être, nous donner la possibilité de nous rappeler que nous étions des ''ados'' … il n’y a pas si longtemps.

« […] nous évoquions un espace qui soit avant tout celui des spectateurs ? Où désirions-nous les accueillir pour partager notre voyage intime ? Le rapport « intimité et parole publique » est devenu l’enjeu de cet espace. Donner à entendre et à voir en toute liberté. »

Au moment d'aller chercher son billet d'entrée, chaque spectateur reçoit une feuille avec un texte d'apparence quelconque ajouté à la bible, mais aussi une petite étiquette sur la main : chacun se voit attribuer un pseudonyme selon le type de personne que l'on pourrait être sur internet. Avant que le spectacle ne commence, le public s'installe librement dans les îlots de gradins. Ces îlots, composés de quatre rangs avec un petit banc rouge à l'avant, sont disposés de façon particulière : imaginez un espace carré dont un des côtés est entièrement dédié à un panneau servant d'écran et de cabine, et dont les côtés restants comportent cinq ''îlots'' de spectateurs. Le centre est plutôt vide sans la présence de l'acteur ou du projecteur. Mis à part ces détails, cet espace dédié au public, qui investit les trois quarts de la salle, se confond avec l'espace dédié aux vidéos projetées, et également avec l'espace scénique des acteurs. En effet, la performance scénique reste au rendez-vous et vient équilibrer le spectacle fait de vidéos. Entre solo de guitare, chanson et jeu d'acteur, trois professionnels viennent dynamiser le propos du spectacle. Le comédien principal, Vincent Nadal, jongle entre les différentes interactions possibles avec le public : adresse directe, pluie de photos qu'il donne aux spectateurs les plus près de lui, trinque avec un spectateur, demande des réactions de la part du public - juste avant la fin.

Cette création est une manière de nous montrer ce que permet le monde d'internet aux jeunes. Beaucoup d'internautes se font connaitre par l'intermédiaire d'internet en y postant leurs vidéos de chansons, de commentaires sur un sujet qui leur tient à cœur ou en participant à un genre littéraire encore méconnu : les articles de blog (skaï-skyblog) recèlent tous les formes picturales existantes. C'est à travers internet que les jeunes ados construisent leur culture et leur identité. On découvre aussi que les jeunes échangent beaucoup par internet pour communiquer d'une région à une autre, d'un pays à un autre, d'où le choix de projeter des vidéos en anglais. On voit donc qu'internet est devenu un outil essentiel à la communication et au développement culturel, à l'ouverture sur le monde. En plus d'être un outil pédagogique ou un outil médiatique, c'est un moyen d'expression personnelle.

« Je ne vous comprends pas, les gens. »

Sources et sites et articles à consulter :

Des articles de présentation du spectacle :

http://mutualise.artishoc.com/iddac/media/5/fiche_orphee_skai.pdf

http://www.iddac.net/site.php?rub=1&docId=219082

http://www.globtheatre.net/index.php?option=com_content&view=article&id=228&Itemid=313

Le dosier de presse du spectacle :

http://www.compagniesoleilbleu.fr/wp-content/uploads/2012/04/dossier-SKAI.pdf

Le site de la Compagnie du Soleil Bleu : http://www.compagniesoleilbleu.fr/

Le blog de travail autour d'Orphée et Eurydice : http://skai-orphee.eurydice.over-blog.com/

Pour aller plus loin :

Comment l'espace scénographique invite-t-il / enferme-t-il / inscrit-il le spectateur dans les thématiques développées par le spectacle ? Par suite, comment le traitement de ces thématiques fait-il se confronter les relations entre parole intime et parole publique ?

Articlé réalisé par Clémence Biensan,  Emeline Pallatier et Floran Pedeflous.

Spectacle présenté du 20 au 22 mars 2012 au TNBA

Germaine Acogny dans Songook Yaakaar

© Michel Cavalca

« L’auteur-danseuse »

Germaine Acogny est une danseuse et chorégraphe franco-sénégalaise considérée par ses pairs comme la « mère de la danse africaine contemporaine ».

Elle est née au Bénin en 1944. Bercée depuis sa plus tendre enfance, par la gestuelle de sa grand-mère, elle se passionne pour la danse et crée son premier studio à Dakar en 1968. Puis de 1977 à 1982 elle est nommée Directrice Artistique de Mudra Afrique, une école créée par Maurice Béjart et Léopold Sédar Songhor. Grandie par l’expérience acquise au fil des années, elle met progressivement en place sa propre technique de danse africaine moderne. En 1997, Germaine Acogny se voit confier le poste de Directrice Artistique de la section danse d’Afrique en création à Paris. Afin d’initier des danseurs de toute l’Afrique à la danse africaine contemporaine, elle crée au Sénégal, avec l’aide de son mari, l’Ecole des Sables, Centre international de danses traditionnelles et contemporaines d’Afrique. Germaine Acogny rencontre aujourd‘hui un succès planétaire et se constitue en réel émissaire de la danse de la culture africaine.

A noter qu’à cette reconnaissance s’ajoutent de nombreuses distinctions telles que Chevalier de l’Ordre du Mérite, Officier des Arts et des Lettres ou encore un BESSIE Award pour la chorégraphie de la pièce Fagaala en 2007.

Songook Yaakaar

« Songook Yaakaar » ou « Affronter l’Espoir » en langue wolof, est un solo très engagé de Germaine Acogny dans lequel sont  traités d’un ton drôle et léger des sujets de fond sérieux comme la mondialisation ou encore l’immigration clandestine. Alliant ses racines africaines à la modernité, la chorégraphe réalise un subtil et harmonieux mélange de danse, de mots, de musiques et de vidéos. Germaine Acogny a fait appel à des professionnels d’horizons différents pour produire son spectacle. Ainsi, dans un esprit de dialogue et de collaboration, Bernard Mousnier (texte), Pierre Doussaint (Chorégraphie), Fabrice Bouillon (Musique), Frederic Koening, Angélique Diedhor et Horst Mulberger (création vidéos, costumes et lumières), par leur hétérogénéité et leur grande complicité artistique ont permis « à la mère de la danse contemporaine africaine » de réaliser un spectacle des plus aboutis. Germaine Acogny, à travers ses pas de danse mûrs et réfléchis, nourris de 35 années d’expérience, cherche à répliquer aux médisants sur l’Afrique. Pour cela, elle utilise la « parenté à plaisanterie », une coutume africaine courante qui consiste à se moquer de soi sans épargner les autres. A noter que, pour la première fois, elle prend la parole, persuadée que le moment est venu de poser des mots sur ses pas de danse.

Lorsque Songook Yaakaar débute, la danseuse se situe dans le public. Elle intègre alors le spectateur dans la pièce en brisant le « quatrième mur ». Sur la scène, ne sont présents que peu d’éléments très simples. En effet, on retrouve une table et une chaise qui pourraient, dans l’absolu, donner l’impression au public d’assister à une conférence. Cependant en renversant ces dernières, Germaine Acogny tient à nous faire comprendre qu’elle ne les supporte plus, les assimilant à une entrave à la liberté de mouvements et de gestuelle. Puis, « la mère de la danse contemporaine africaine », en réalisant une succession de pas, ouvre l’espace, le libère de toutes contraintes et élargit ainsi la scène. A noter qu’en plus du mobilier, se trouve sur le plancher un bol d’eau, symbole culturel de son Afrique natale. A son bras, Germaine Acogny tient un panier dans lequel repose son micro et une casquette qu’elle revêtira dans son show  lorsqu’elle répètera « mondialisation ». Le spectacle est animé par des musiques actuelles au rythme des percussions et des vidéos, indices de  modernité, représentant  la culture africaine par les danses traditionnelles et autres coutumes du berceau de l’humanité et dans lesquelles elle parvient parfois à s’immiscer. Ces nombreuses références témoignent de son attachement à sa terre natale. Et lorsqu’on lui dit : «On est bien ici… », elle rétorque : « oui mais on est aussi bien là-bas ». Malgré tout, lors de traversées de scènes, les pas lourds qu’elle semble exécuter avec difficultétendent à imager l’âpreté de la vie en Afrique. De manière itérative, Germaine Acogny lance « Je suis de passage », insistant ainsi sur le caractère éphémère de sa présence sur scène et sur Terre. Cela pourrait, à l’instant où l’on découvre la signification du nom « Acogny », former une douce et fine antithèse. En effet, la chorégraphe nous apprend que son patronyme signifie « le clan ne doit jamais disparaître ».

Enfin, en ce qui concerne l’éclairage, les jeux de lumières, en nuançant les différentes scènes, sortent le spectacle d’une monotonie et d’une linéarité qui pourraient l’affecter et jouent ainsi un rôle prédominant. Les costumes, quant à eux, restent très simples (justaucorps, tenue noire ou encore robe africaine rappelant ses origines…).

Hypothétique symbole de l’espoir, les pétales de fleurs parachèvent la performance de Germaine Acogny.

Germaine Acogny

© Manon Milley

Pour aller plus loin :

Comment la danse et la mise en scène portent-elle les convictions politiques de Germaine Acogny ?

Comment le spectateur est-il invité / devient-il le relais de ces convictions politiques ?

Quelques liens internet intéressants

Un article de Youssouf Chinois : http://www.au-senegal.com/Songook-Yaakaar-Germaine-Acogny,3160.html

Des extraits du spectacle : http://www.youtube.com/watch?v=tnpC7Joxcp4

Article réalisé par Aurore LARGEAU, Marie GOURGUES et Justine FRAUD.